Во все времена образ женщины вдохновлял творцов. Языческие богини, матери, дочери, возлюбленные, незнакомки становились персонажами живописных произведений с эпохи древности.

Так, например, одним из культовых женских образов XIX века стала «Свобода, ведущая народ» французского художника Эжена Делакруа (1830 г.) — известнейшая картина, которая по праву считается одной из ключевых вех между эпохами Просвещения и Романтизма. Несмотря на аллегоричность изображённой фигуры, полотно отражает реальный, определённый тип женщины в мировом искусстве — тип Женщины-Героини, оставившей значимый след в истории.

В центре мы видим женщину, известную как Марианна. Это — символ Французской республики, олицетворение национального девиза «Свобода, Равенство, Братство». Существует, правда, альтернативная точка зрения, согласно которой женщина не является Марианной, а представляет собой аллегорию республики.

В этом образе Эжену Делакруа удалось совместить величие античной богини и отвагу простой женщины из народа. На голове её фригийский колпак (символ свободы во времена Первой французской революции), в правой руке — флаг Республиканской Франции, в левой — ружьё. Босая и с обнажённой грудью, символизирующей самоотверженность французов, способных «голой грудью» идти на врага, она шагает по груде поверженных тел, словно выходя из холста прямо на зрителя.

За Свободой идут представители различных социальных классов — рабочий, буржуа, подросток. Они символизируют единство французского народа во время июльской революции. Некоторые искусствоведы и критики предполагают, что в образе мужчины в цилиндре слева от главной героини художник изобразил себя. По другому мнению, моделью могли послужить драматург Этьенн Араго или куратор Лувра Фредерик Вилло.

Обращает внимание историческая достоверность изображаемых деталей. На переднем плане изображено тело павшего борца с обнажённой нижней частью: подобное нередко происходит в случае близкого разрыва бомбы, когда взрывной волной с тела человека срывает одежду.

Делакруа написал картину осенью 1830 года по горячим следам июльской революции, положившей конец правлению Карла Х и режиму реставрации Бурбонов. После многочисленных подготовительных эскизов ему потребовалось всего три месяца, чтобы создать картину. В письме к брату от 12 октября 1830 года Делакруа сообщает: «Если я не сражался за Родину, то хотя бы буду для неё писать».

«Свобода, ведущая народ» была впервые выставлена в Парижском салоне в мае 1831 года. Своими впечатлениями об этом событии поделился Генрих Гейне: «Она была восторженно принята публикой и тотчас приобретена государством за 3 000 франков для тронного зала Люксембургского дворца, чтобы служить напоминанием „королю-гражданину“ Луи-Филиппу Первому о революции, благодаря которой тот пришёл к власти». Этим планам не суждено было сбыться, и, провисев несколько месяцев в музейной галерее дворца, картина была убрана из-за политической провокационности.

После июньского восстания 1832 года картину вернули художнику, с разрешением отправить её на хранение его тёте Фелисите. Революция 1848 года вновь позволила широкой публике увидеть «Свободу, ведущую народ», а в 1855 году она была выставлена в Парижском салоне. В 1874 году картина вошла в собрание Лувра.

В 1974–1975 годах «Свобода» была главной жемчужиной выставки «Французская живопись 1774–1830 годов: Век революций», организованной французским правительством в Метрополитен-музее и Детройтском институте искусств в качестве подарка на двухсотлетие американской революции. В 1999 году «Свобода» совершила 20-часовой перелёт из Парижа на выставку в Токио через Бахрейн и Калькутту.

В 2012 году картина была перенесена в новый музей Лувр — Ланс, в составе первого транша картин из Лувра. 7 февраля 2013 года неизвестная 28-летняя посетительница музея нанесла на полотно надпись «AE911» (аббревиатура американской некоммерческой организации «Архитекторы и инженеры за правду о терактах 9/11»), после чего была задержана. На следующий день реставраторы убрали надпись без повреждения оригинальной краски, потратив на это меньше двух часов, и картина была возвращена на место экспозиции.

«Свобода, ведущая народ» могла серьёзно повлиять на роман «Отверженные» Виктора Гюго, описывающий среди прочего июньское восстание, произошедшее спустя два года после событий, изображённых на картине. В частности, широко распространено мнение, что персонаж Гавроша вдохновлён фигурой мальчика с пистолетами, бегущего рядом со Свободой. Также предполагается, что картина Делакруа могла вдохновлять Фредерика Бартольди при создании «Свободы, озаряющей мир», более известной как «Статуя Свободы», подаренной французами Соединённым Штатам Америки спустя полвека после написания картины. Портрет Делакруа с фрагментом картины печатался на стофранковой банкноте с 1978 по 1995 год. Симфония № 6 Джорджа Антейла, названная в честь Делакруа, была, по собственному признанию автора, написана под впечатлением от картины.

«Свобода, ведущая народ» считается в настоящее время республиканским и антимонархическим символом, иногда подвергаясь критике со стороны роялистов и монархистов.

... В 1870-х и 1880-х годах во Франции стал весьма символичен образ Жанны д’Арк — «Орлеанской девы», национальной героини Франции в Столетней войне. Это было связано с поражением Франции во франко-прусской войне 1870-1871 годов, в результате которого Лотарингия, где родилась Жанна д’Арк, отошла вместе с Эльзасом к Германии.

Скульпторы и художники, едва ли не соревнуясь, создавали новые и новые скульптурные и живописные изображения Жанны. Известный французский мастер Жюль Бастьен-Лепаж, сам родом из Лотарингии, также решил обратиться к этому образу, и в 1879 году написал картину «Жанна д’Арк».

Бастьен-Лепаж был одним из первых, кто изображал крестьянский быт в духе натурализма. Возможно, поэтому Жанна изображена в простой крестьянской одежде, стоящая в саду дома своих родителей в Домреми. По преданию, именно здесь ей было видение Архангела Михаила, Святой Екатерины Александрийской и Святой Маргариты Антиохийской, которые поведали, что именно ей суждено будет снять осаду с Орлеана и изгнать захватчиков. На картине их образы парят в воздухе позади Жанны, на фоне стены дома.

Полотно было представлено публике в рамках Парижского салона 1880 года. В том же году картину приобрёл Эрвин Дэвис из Нью-Йорка, а в 1889 году её передали в коллекцию Музея Метрополитен.

В 1889 году картина «Жанна д’Арк» выставлялась на Всемирной выставке в Париже.

Художница Мария Константиновна Башкирцева, которая училась у Бастьен-Лепажа, в своём знаменитом дневнике возмущалась тем, что картина поначалу не была должным образом оценена во Франции из-за специфической подачи исторического материала. Она писала: «Жанна д’Арк не была понята во Франции, но перед ней преклоняются в Америке... „Жанна д’Арк“ — это шедевр по выполнению и по чувству. Надо было слышать, что только говорили о ней в Париже. Это позор!.. Что же такое возвышенное искусство, если не то искусство, которое, изображая перед нами тело, волосы, одежду, деревья с полнейшей реальностью, доходящей почти до обмана чувств, передаёт в то же время душу, мысль, жизнь! Неужели „Жанна д’Арк“ не есть произведение возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении?..»

... Мария Константиновна вела личный дневник с двенадцати лет и до самой своей смерти от туберкулёза в возрасте 25-ти лет. Дневник составил сто пять тетрадей и впоследствии стал знаменитым произведением автобиографической литературы, переведённым на многие языки. Высочайшую оценку дал дневнику Башкирцевой поэт Велимир Хлебников:

«Заклинаю художников будущего вести точные дневники своего духа: смотреть на себя как на небо и вести точные записи восхода и захода звёзд своего духа. В этой области у человечества есть лишь один дневник Марии Башкирцевой — и больше ничего. Эта духовная нищета знаний о небе внутреннем — самая яркая чёрная Фраунгоферова черта современного человечества».

В своё время картина «Жанна д’Арк» произвела колоссальное впечатление на художника Михаила Нестерова, который увидел её непосредственно перед написанием своей картины «Видение отроку Варфоломею». В книге о Нестерове известный литературовед и педагог Сергей Николаевич Дурылин приводил его слова: «... Я старался постичь, как мог Бастьен-Лепаж подняться на такую высоту, совершенно недосягаемую для внешнего глаза французов. Бастьен-Лепаж тут был славянин, русский с нашими сокровенными исканиями глубин человеческой драмы... Весь эффект, вся сила Жанны д’Арк была в её крайней простоте, естественности и в том единственном и никогда не повторяемом выражении глаз пастушки из Домреми; эти глаза были особой тайной художника: они смотрели и видели не внешние предметы, а тот заветный идеал, ту цель, своё призвание, которое эта дивная девушка должна была осуществить».

На Всемирной выставке 1889 года в Париже художник Валентин Серов безоговорочно отдал пальму первенства по произведённому впечатлению картине «Жанна д’Арк» Бастьен-Лепажа. Причём именно потому, что французский мастер избежал соблазна показать свою героиню знаменитой военачальницей: Жанна изображена ещё никому не известной крестьянской девушкой; она стоит в саду под раскидистой яблоней, одетая в домотканое холщовое платье, из-под которого выглядывают босые ноги, и напряжённо слушает проникающие в её душу таинственные голоса архангела и святых. Неужели правда, что ей свыше предначертана роль освободительницы Франции от иноземного ига?.. Неужели правда, что она возглавит войско и поведёт его к победе над врагом?.. По мнению Серова, лицо Жанны отражало характер сильный и страстный, однако поразительнее всего выписаны её глаза, в которых запечатлелся момент экстатического прозрения своей судьбы...

... Принятый меч освобождения в руках Жанны изобразил английский художник-прерафаэлит Данте Габриэль Россетти. Художник завершил работу над картиной за несколько дней до своей смерти в 1882 году, и она стала его последним детищем. Создавалась картина на заказ, однако попала на аукцион, устроенный после смерти Россетти в 1883 году. С 1909 года полотно находится в собрании Музея Фицуильяма (Музей искусств и истории при Кембриджском университете, Великобритания).

Картина практически полностью повторяет акварель, созданную Россетти в 1864 году, которая, в свою очередь, написана по мотивам его же картины «Жанна д’Арк, целующая меч освобождения». При изображении Жанны Россетти концентрировался на гармоничном соединении красоты и воплощённой любви с характером женщины-воина. Тёплые цвета одежды с вышивкой, нежной кожи, струящиеся рыжие волосы контрастируют с холодными рыцарскими доспехами и воинским мечом. К слову, натурщицей была Джейн Моррис — воплощение идеала красоты прерафаэлитов, возлюбленная Россетти. До замужества Джейн была крайне малообразованна, поскольку её родители предполагали для неё, самое большее, карьеру прислуги. После обручения с поэтом и художником Уильямом Моррисом, Джейн начала брать частные уроки, выучила французский и итальянский языки, стала искусной пианисткой. Манеры и речь её настолько преобразились, что современники наперебой характеризовали её как «царственную особу». Позже Джейн Моррис вошла в высшее английское общество и даже послужила прообразом Элизы Дулиттл в пьесе Бернарда Шоу «Пигмалион».

... Среди полотен, запечатлевших героические женские образы славянских народов, известна «Настасья Королевишна» художника Сергея Соломко. Её история драматична, но от этого не менее прекрасна.

Однажды богатырь Дунай Иванович отправился вместе с Добрыней Никитичем в Литву, чтобы устроить свадьбу между князем Владимиром и дочерью литовского короля Евпраксией (Апраксой). Дунай Иванович сгоряча сказал королю злое слово на застолье в литовской столице — и бросили его в темницу. Добрыня Никитич собрал войско и стал угрожать литовскому королевству войной, после чего выдали ему и Евпраксию, и Дуная-богатыря.

А была у Евпраксии старшая сестра Настасья. Некоторое время ранее Дунай ухаживал за ней, но чуть не поплатился за это жизнью, когда стража схватила незваного гостя у палат принцессы. Настасья, тайно от отца, выкупила Дуная у палачей и помогла ему бежать. Увидев его снова, когда приехал Дунай за Евпраксией, не простила ему Настасья холодного пренебрежения и решила заставить заплатить за это.

Повстречав Дуная Ивановича на обратном пути в Киев, Настасья Королевишна, одетая как иностранный рыцарь, бросила ему вызов на поединок. Далеко не сразу, лишь на другой день, но победил Дунай и уже собирался пронзить дерзкого рыцаря мечом, когда упал шлем с его головы — и узнал Дунай Иванович деву Настасью. Он был настолько поражён её доблестью и красотой, что увёз с собой в Киев, и они стали супругами. Отпраздновали в стольном Киеве сразу два свадебных торжества — князя Владимира с Евпраксией и Дуная Ивановича с сестрой её Настасьей.

Но недолго прожила Настасья с мужем в мире и довольстве. Однажды стал Дунай Иванович прилюдно похваляться своей богатырской удалью, а Настасья Королевишна возразила ему: «А ничем-то ведь я не хуже тебя, а ухваточка моя удалее твоей». Не стерпел Дунай Иванович такого слова от жены, не сумел отшутиться и обратить всё на смех. Вызвал он её на поединок; по условиям, каждый должен был попасть стрелой в серебряное кольцо на голове соперника. Настасья Королевишна пустила стрелу точно, а Дунай Иванович убил свою жену... Узнав, что носила она ребёнка, вонзил он с горя копьё в собственное сердце. И потекла от его крови могучая река Дунай, а от крови супруги его Настасьи — река Непра.

... Настасья Королевишна была поляницей — женщиной-богатырём, воительницей, прославленной в былинах. В упоминаемой былине о Дунае Ивановиче ездит она «в чистое поле», полякует, «слывёт поляницею преудалою».

По своим боевым навыкам поляницы не уступали мужчинам-богатырям. Чтобы завоевать их руку, будущий муж должен был осилить их в поединке, что удавалось лишь тогда, когда поляница сама того захочет. Главное занятие дев-поляниц — полякование: они выезжают на богатырских конях в степи и бьются с богатырями ради ратной потехи. Из-за выдающейся физической силы и удали их часто принимают за мужчин, как, например, Василису Микулишну в былине «Ставр Годинович» или Настасью Микулишну в былине «Женитьба Добрыни»:

Догнал Добрыня поляницу, богатыршу удалую,

Ударил поляницу булатной палицей,

Да ударил её в буйну голову.

Поляница тут назад приоглянется,

Говорит поляница таковы слова:

— Я думала, меня комарики покусывают,

А это русский богатырь пощёлкивает...

Добрыня вступает с ней в поединок, однако терпит позорное поражение: Настасья Микулишна «ухватила Добрыню за жёлты кудри, сдёрнула Добрынюшку со седла долой», не глядя сунула в карман и призадумалась, кого же это, собственно, она одолела. Решила она так: если богатырь понравится — замуж за него пойти, если не понравится — срубить голову. Достала Настасья Добрыню из кармана, разглядела — и понравился он ей, так что стала она его супругой.

Сестра Настасьи Микулишны, Василиса, также очень колоритно изображённая Сергеем Соломко, была, согласно древним былинам, женой черниговского боярина Ставра. На княжеском пиру Ставр, захмелев, стал хвалиться умом и редкостной силой своей жены-богатырши. Выражения для сравнения Василисы с дружиной князя и им самим Ставр подобрал не самые лестные, и Владимир посадил его «в погреба глубокие».

Узнав об этом, пустилась Василиса Микулишна, славная дочь Микулы Селяниновича, на хитрость. Переоделась она татарским юношей, взяла войско и, явившись в Киев, потребовала сей же час уплатить дань за двенадцать лет. Да ещё и княжну себе в жёны!.. Последнее условие — чтобы нарочно уязвить князя, поскольку выдавать христианку за иноверца считали несмываемым бесчестьем для рода.

Княжна интуитивно чувствует, что татарин на самом деле — женщина, и делится своими подозрениями с отцом. Василисе Микулишне устроили испытание на силу, ловкость и сообразительность, причём из каждого испытания она вышла с честью. Приходится князю играть свадьбу дочери с иноземным гостем. На пиру «татарин» сидит с грустным лицом; князь зовёт гусельников, однако их игра не нравится гостю. Тогда Владимир вспоминает, что пленный боярин Ставр — отменный музыкант, и его приводят из подземелья на пир. Василиса зовёт его посмотреть её дружину, и там, среди войска, открывает ему истинное обличье. Переоблачившись вновь в женское платье, возвращается она вместе с мужем к Владимиру, и князю приходится признать, что Ставр недаром расхваливал свою разумную жену.

В описаниях пиров князя Владимира пирующие девы-поляницы часто упоминаются наряду с пирующей боевой дружиной. Археолог Борис Рыбаков, известный исследователь славянской культуры и истории Древней Руси, связывал наличие женских воинственных персонажей в сказках и былинах с дотатарским степным миром скифо-сарматского происхождения. Это может быть отражением контактов киевских воинов с аланскими или болгарскими степняками. Известный писатель Дмитрий Балашов считал, что девы-поляницы — это конные степные сарматские воительницы, которые были умелыми наездницами и искусными лучницами: «С этой точки зрения былины отражают победы славян над сарматами: Дунай Иванович и Добрыня побеждают поляниц в богатырском поединке и обретают над ними власть мужа над женой. В пользу степного происхождения образа поляницы говорит тот факт, что, согласно былине, из крови убитой Дунаем Настасьи Королевишны берёт своё начало Непра-река (то есть Днепр — река, бывшая пограничной со степью). Кроме того, известно, что у сарматов царил матриархат, поэтому нет ничего удивительного в том, что память об этом народе сохранилась в эпосе в образе женщин-воительниц». В сюжетах свадеб поляниц с богатырями, по мнению Балашова, допустимо видеть родство славян с сарматами, перекрёстные браки которых отмечал ещё древнеримский историк Тацит.

... Ещё одна из известнейших дев-богатырш, королевна, героиня народных сказок, обладающая большой колдовской силой и заковавшая в цепи самого Кощея Бессмертного — Марья Моревна, запечатлённая на картине Виктора Михайловича Васнецова «Марья Моревна и Кощей Бессмертный» (1926 г.). Это полотно создавалось в течение девяти лет и хронологически стало его последней работой.

Здесь три основных цвета: насыщенный шоколадный, ализариновый красный и золотой. Такая гамма призвана показать, что действие происходит в роскошных палатах, отделанных мрамором, редкими породами дерева и украшенных золотом, серебром и парчой. Царь Кощей по своему характеру невероятно жаден и скуп, что явственно демонстрируется художником при помощи нескольких массивных сундуков, расставленных по всему помещению и, судя по всему, доверху набитых драгоценностями.

Среди всего этого тяжкого великолепия Кощей изображён мрачным стариком в золотой короне, пленившим у себя юную прекрасную деву. Он пристально разглядывает свою добычу пустыми, холодными глазами. Похоже, что у него нет души, нет живого сердца: перед нами лишь оболочка ужасного тела, вселяющая отвращение и страх. Дева не смотрит на Кощея: её взор обращён к огромному боевому мечу, который с лёгкостью удерживает владыка подземного мира, и с лезвия которого каплет темнеющая человечья кровь.

Современники Васнецова отмечали, что за время написания холста он переживал изнуряющие страдания, вызванные волнениями в стране. Возможно, окровавленный меч — это знак, некое символическое послание людям будущего о прекращении безумной кровавой вражды.

... В одном из популярных сказаний о Марье Моревне (Моревна — значит «дочь морского царя») происходит следующее: после смерти родителей Иван-царевич выдаёт замуж трёх своих сестёр, а сам женится на удалой степной воительнице Марье Моревне, прекрасной королевне, пленившей Кощея. Через некоторое время Марья Моревна отъезжает по делам и говорит супругу: «Везде ходи, за всем присматривай; только в этот чулан не моги заглядывать», не то худо нам будет«. Не послушался Иван-царевич и отворил дверь в чулан: висит там Кощей Бессмертный, на двенадцати цепях прикован. Выпив три ведра воды, принесённых ему Иваном-царевичем, Кощей разрывает двенадцать цепей и освобождается из подземелья. При этом он в отместку похищает саму Марью Моревну.

Иван-царевич решает её вернуть и идёт за помощью к мужьям своих сестёр: Ворону Вороновичу, Соколу Соколовичу и Орлу Орловичу — могущественным оборотням, которые умеют превращаться из птиц в добрых молодцев. С помощью их советов Иван несколько раз освобождает Марью Моревну из Кощеева плена, но Кощей всё время настигает его на своём волшебном быстроногом коне. Два раза он щадит Ивана (из-за того, что тот ему помог освободиться), на третий — убивает, расчленив саблей. Ворон, Сокол и Орёл оживляют Ивана, дав ему добрый совет: добыть волшебного коня у Бабы-Яги. Когда у Ивана появляется такой же волшебный конь, как и у Кощея, они сходятся в поединке. Иван-царевич убивает Кощея булавой (в другом варианте — сбрасывает на землю яйцо со смертью Кощея), сжигает тело на костре и освобождает свою жену — богатыршу Марью Моревну.

... Есть также версия, согласно которой девы-поляницы — это никто иной, как валькирии, воинственные божества, подчиняющиеся богу Одину и участвующие в распределении побед и поражений в битвах. Согласно северным мифам, павших в бою храбрецов валькирии уносят в Валгаллу и там прислуживают им на вечном пиру. В героических песнях «Старшей Эдды» валькирии оставляют свой божественный ореол и приобретают черты женщин-богатырш; они фигурируют в качестве возлюбленных героев Хельги и Велунда.

Прекрасная белокурая валькирия изображена на известной одноимённой картине Константина Васильева. Этот образ был связан для него не с кровавыми смертельными земными битвами, а, прежде всего, с защитой Родины в великом сражении на духовном плане, в котором есть своя особая красота.

Готовность к бою, воинственное напряжение валькирии, подобное напряжению стрелы на тетиве лука, уравновешивается идеально правильными — божественными чертами её лица. Строгий, прямой нос, сжатые губы небольшого рта, выразительная линия скул, подбородка, холодные голубые глаза, напоминающие о вечных льдах Севера... Это — воительница, чей твёрдый взгляд, статная фигура и тяжёлая амуниция подчёркивают несгибаемый дух, устремлённость к победе над врагом, как бы страшен он ни был.

Глаза валькирии устремлены по направлению к горизонту — в ожидании воина, которому суждено свершить подвиг на поле боя. Её священная обязанность — сопроводить героически отдавшего свою жизнь человека до Валгаллы, мифической страны истинных воителей, где они познают Вечность.

Валькирия изображена на фоне тяжёлых чёрно-серых облаков, клубящихся в мрачном движении. Необходимый контраст создаётся величественно развевающимися на ветру золотыми волосами, придающими картине жизнеутверждающую динамику. Да, валькирия — не из тех женщин, которые призваны создавать тихий домашний уют. Нечто иное чарует в ней зрителя: сила и ощутимая внутренняя стойкость.

За основу для создания этого полотна Константин Васильев взял романтический образ валькирий из скандинавских мифов — прекрасных юных дев с золотыми волосами, часто предстающих в виде всадниц на белых конях или в облике лебедей. Именно в этом образе отчётливо просматривается художественное выражение идеи о великой космической роли Женского Начала.

По мнению искусствоведов, Васильеву всегда был свойствен своеобразный исторический оптимизм. Его валькирий можно рассматривать как некий собирательный образ, олицетворяющий путеводную силу женщины, концентрирующей духовную и физическую силу народа, предстающей опорой как в мирных буднях, так и в битвах на проявленном и тонком плане.

... Николай Константинович Рерих в его картине «Бой» (1906 г., Государственная Третьяковская галерея, Москва), сначала изобразивший в небе летящих валькирий, записал их грозными тучами со словами: «Пусть присутствуют незримо!»

... Одна из самых загадочных картин Николая Константиновича — «Оттуда» (1935-1936 гг., Музей Николая Рериха, Нью-Йорк). Среди ледников и скал через бурную горную реку по узкому мосту идёт в снежно-белых одеяниях женщина, торжественная и просветлённая, исполненная светлой готовности к подвигу. Руки её сложены в благословении. По эту сторону реки, на берегу сидит другая женщина, которая ждёт путницу; на её одеждах — знак Триединства. Откуда идёт женщина?.. Оттуда! Из той таинственной горней Обители, где живут мудрецы и риши, где человеку даётся духовное знание и храбрость во благо и служение людям...

Это полотно художник посвятил своей супруге — Елене Ивановне Рерих, «жене, другине и спутнице».

... Полотно «Ведущая» (1944 г., Государственный Музей Востока, Москва) также посвящено Е.И. Рерих. Это поэма о Женщине и её высокой героической миссии. На фоне высокой горы, символизирующей жизненный путь, изображены мужская и женская фигуры. Они показаны в момент восхождения, когда напряжение духовных сил раскрывается наиболее полно, и роль вдохновительницы и водительницы здесь принадлежит Женщине.

«И как апофеоз... духовного стремления, мне хотелось в картине „Ведущая“ дать светлый облик женщины, ведущей искателя подвига к сияющим вершинам», — писал Н.К. Рерих.

... Мастера живописи разных стран интуитивно чувствовали, что наступающая эпоха тесно связана с возрождением Женщины. В её руках — спасение человечества и планеты. Женщина-мать, Женщина-Защитница, Женщина-Героиня, Женщина-Свобода должна осознать своё значение, свою великую миссию и готовиться к несению ответственности за судьбы мира.

«Пусть именно женщина познает и провозгласит об этом Ведущем Начале, ибо от начала ей вручена нить связи двух миров, видимого с невидимым. Женщине дано являть мощь сокровенной жизненной энергии. Грядущая эпоха несёт миру познание мощи этой великой всеначальной энергии, которая выявляет свои высшие качества в бессмертных творениях человеческого гения». («Письма Е.И. Рерих», 01.03.1929 г.)

Маргарита Серебрянская,

председатель Общественного Союза «Совесть»

Источники:

https://ru.wikipedia.org/wiki/Свобода,_ведущая_народ

https://ru.wikipedia.org/wiki/Жанна_д’Арк_(картина_Бастьен-Лепажа)

https://ru.wikipedia.org/wiki/Жанна_д’Арк_(картина_Россетти)

https://gallerix.ru/album/Solomko/pic/glrx-653134155

https://kulturologia.ru/blogs/280218/38021/

http://mifolog.ru/mythology/item/f00/s03/e0003347/index.shtml

https://gallerix.ru/storeroom/713/N/3731/